Crear con lx otrx puede llevarnos a lugares impensados. A partir de ese encuentro podemos terminar creando cosas que jamás hubiéramos pensado que podríamos hacer.
A raíz de Tuyyo, el último videoclip de Oriana y FMK, conversamos con su director Juan Gonzs. En Tuyyo, Juan exploró dirigir un video de reggaetón, un género en el que, hasta ese momento, jamás había imaginado indagar.
¿Qué imágenes componen lo canónico de cada género? ¿En un video pop siempre tiene que haber colores brillantes y coreografías? ¿Si no flamea la cabellera del guitarrista, no estamos hablando de un videoclip de rock?
Con Tuyyo, Juan nos demuestra que las convenciones no están escritas en tinta permanente y que lo más importante detrás de cada videoclip, es su búsqueda artística.
Filmar Música: Solés trabajar en varios videos con el/la mismx artista. ¿Cómo lo experimentás? ¿Cómo percibís que conviven el desarrollo y las distintas decisiones que cada artista va tomando en relación a su carrera en paralelo a tu propio camino como director?
Juan Gonzs: Para mí es una bendición porque crecemos juntxs. Con la mayoría, es en el primer video donde nos enamoramos, pero también puede suceder que no nos entendamos y a medida que van pasando los videos, nos vamos soltando más y se da otra confianza y sucede algo muy lindo.
Lxs artistas con lxs que trabajo me dejan explorar algunas inquietudes que tengo. Por ejemplo, en Muchos días, el último video que hicimos con Poncho y Emmanuel Horvilleur, pude explorar algo ligado a la Nouvelle vague francesa. Después, en relación a cómo convivimos con el desarrollo de las decisiones, es un tira y afloje. Está buenísimo porque uno va aprendiendo del otrx y se va retroalimentando, me parece increíble. Después lx artista llega al set y no le queda otra más que confiar en mí. Es muy divertido porque el video que sale es como una sorpresa.
Filmar Música: Con Oriana trabajaron juntxs en 3 videoclips. Último tango, Luna llena y Tuyyo. Son proyectos super distintos entre sí pero que mantienen cierta línea estética super interesante. Habla de lo permeable del lenguaje que construyeron juntxs. Algo fresco y sensual a la vez, movimiento, naturaleza, elementos surrealistas/simbólicos, y siempre una historia lineal detrás. ¿De qué manera creés que se va modificando esta identidad audiovisual en función al género de cada canción?
Juan Gonzs: Esos tres videos me definen un montón como artista. Creo que suceda esto que decís, que haya una línea estética, me parece hermoso, porque no es algo que busco sino que simplemente sucede. Con cada video vuelvo a tener los mismos nervios del primer video. Es muy loco que sucedan estas cosas.
Ori es una mina muy curiosa con su música. Ahora sus nuevas canciones son increíbles y no tienen nada que ver con las anteriores. Ella tuvo estos dos hits Love Me Down Easy y Stay or Run y después empezó a indagar en la música en español. Creo que con estos videos que hicimos estaba buscando su camino como artista y creo que lo encontró.
A lo que voy con esto es que funcionamos y matcheamos porque los dos estamos en esta búsqueda artística y sucede, no hay una explicación.
Soy fan de la naturaleza, creo que ahí está la respuesta a todo. Oriana es muy fresca, muy natural, muy genuina y de repente, matcheamos por muchos lados.
Filmar Música: ¿Cómo fue el proceso de trabajo de Tuyyo?
Juan Gonzs: Super interesante. Es el primer video de reggaeton que hago y para mí fue un desafío enorme llevar mi visión y mi estética, sin caer en lo “convencional” del género. Le hice a Oriana cuatro guiones y el que quedó fue el último, que era el más sintético de todos.
Fue un video muy conceptual. A Ori le copó mucho la idea, este concepto post-apocalíptico que tiene el video. La puesta terminó siendo super teatral y con diferentes cánones que conviven en él: por eso están todo el tiempo las esculturas, las bailarinas siendo escaneadas, Ori como la Venus en referencia a la peli de The Dreamers (dir: Bernardo Bertolucci) y demás.
Si veo el videoclip a la distancia, creo que es un video que no está terminado. Hay algunas escenas que tuvimos que suprimir, donde FMK esculpía una estatua y hacía un poco referencia a esta frase célebre de Miguel Ángel que dice que la escultura ya está ahí en la piedra y que simplemente hay que sacar el excedente.
Filmar Música: Leí en un posteo tuyo que una de las referencias para el videoclip era la obra de Franz Erhard Walther, un artista alemán contemporáneo, que trabaja principalmente en el campo de las instalaciones y lo performático. Me parece una locura hermosa de la posmodernidad la mezcla entre reggaeton y arte performativo alemán. Al elegir la referencia, ¿te centraste más que nada en lo visual o hubo algo más bien teórico/ideológico que también formó parte de esta elección?
Juan Gonzs: La escena del ring es mi preferida del video. Tiene algo de este concepto que vengo trabajando desde que empecé mi carrera, esto de cómo con algo simple se pueden decir muchas cosas.
En el 2019 me hicieron una nota para Infobae y dije que “es más valedero una persona que te hace un video con $10.- que una persona que te hace un video con $500.000.-”. En ese momento, los $500.000.- eran muchísimo dinero para hacer videos. Hoy, los que trabajamos en esto, sabemos que no es un presupuesto muy wow. Pero, digo, hay algo de realmente poder crear algo y usar esta alquimia y que suceda, que va más allá de la plata. Lo bueno de Filmar Música es que visibiliza un montón de búsquedas y un montón de miradas.
En la obra de Franz Walther hay una cuestión más espontánea, más sintética, que con una tela y cuatro personas te arma un ring. Aparece algo del distanciamiento social también, yo lo pensé todo por ese lado, y todo cerraba. Imaginate que pasé toda la pandemia en Italia, en un campo, incomunicado directamente de las grandes ciudades. No quería salir, me daba un poco de cagazo así que me quedé un poco ahí. Después fui a Berlín y cuando vi una primera capital, con un mundo que había cambiado, donde ya había pasado el COVID, fue como wow, esto realmente pasó. Obviamente para mi se destruyeron un montón de cosas.
Cuando volví a Buenos Aires, estaba atravesando por un momento de muchos cuestionamientos y este video (si bien de repente no se lee) para mí fue como una lucha entre dos visiones de la vida. Por eso esta alusión a la pelea o al juego, a la destrucción, a lo nuevo, a lo cibernético, el escáner, ese láser que atraviesa todas las escenas. Tal vez si hubiera usado más angulares se hubiera entendido más el concepto. La puesta en escena y la iluminación eran increíbles, y se perdió un poco esta “destrucción”. Otro gran momento que me encanta es cuando ella baila en la silla y evidencia el set. Es algo que yo no hubiera hecho en la vida y me parece que animarme a trabajarlo y mostrarlo fue muy zarpado.
Filmamos Tuyyo en un estudio que era de pantallas y no las usamos. Es un video que va contra la corriente en cierto punto. El decorado era simple: escombros, sillas rotas, cables, distinto quizá a lo convencional del género que suele ir más a lo opulento.
En lo personal, este video, fue muy muy fuerte porque pude canalizar esta dicotomía que tenía dentro. Con todos los videos que hice este año, en realidad, pude un poco soltar cosas mías, y ahora que ya estamos llegando al final del año, veo las cosas en retrospectiva y digo wow, Tuyyo es conceptualmente increíble. Estoy muy muy feliz de haber hecho un video de reggaeton y que haya quedado de esta manera.
Filmar Música: Pensando en la escena audiovisual contemporánea, ¿qué es lo que más te interesa de lo que se ve hoy en día en el ámbito de los videoclips?
Juan Gonzs: Que tengan una historia, una vuelta de rosca, que vayan por algo nuevo, algo nunca visto. No depende de una excelente cámara para hacer algo muy creativo. No hay que inventar nada pero si interpretarlo, con una mirada más propia. Siento que ahora hay muchas cosas parecidas entre sí. No sé. Lo bueno de Filmar Música es esto que dije antes, veo muchos realizadores, gente muy interesante y no siempre hay visibilidad para todos esos nuevos talentos.
Dentro de poco se va a estrenar Pitada de Emmanuel Horvilleur, que es un video colectivo, donde participaron un montón de piezas y terminamos seleccionando 35, que era el tope que podíamos elegir. Piezas del Conosur y España, donde también hay una gran dicotomía de material: cosas super producidas y otras que ponen el foco más en lo espontáneo y lo casero, es re interesante.
Filmar Música: ¿Pensás al público destinatario a la hora de dirigir?
Juan Gonzs: No, no pienso a quién me dirijo y creo que los artistas tampoco. Sucede. El material nos tiene que gustar a nosotros y con eso estamos felices. Obvio siempre yo espero que guste pero de repente, las cosas que más me llevaron esfuerzo fueron las cosas que menos gustaron y las más simples las que más gustaron, entonces ya está, dejé de pensar en eso. Si uno hace las cosas bien, las cosas suceden.
Filmar Música: ¿En qué te inspiras a la hora de pensar y dirigir videoclips?
Juan Gonzs: Todo me inspira, lo que sucede. Lo popular y toda su contracara. Me encanta poder ver cómo esas dos visiones conviven en este universo y todo depende de en qué lugar te parás a mirarla.
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Es autodidacta y considera que, si pudiera definir a sus proyectos en una palabra, diría «Camino».
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Escribe, dirige y actúa. Licenciada en Actuación (UNA) y Diplomada en Dramaturgia (UBA). Escribió y dirigió la obra Desnudez (2018-2019) que realizó funciones en el Teatro Anfitrión, fue seleccionada para participar del Festival Fauna en el CC San Martín y está próxima a publicarse en el libro “Voces Trasandinas: antología de dramaturgas emergentes de Chile y Argentina”. Además dicta talleres de escritura creativa, y, junto a La ladrona de libros, dictan el taller “Nunca son escritores”, encuentros sobre dramaturgas y poetas a lo largo de la historia.
Actualmente es la encargada de redes de Filmar Música.
